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Los 20 mejores himnos clásicos versionados por músicos de rock

El rock nace, crece y se reproduce todavía hoy como una forma de liturgia alternativa a la liturgia de las iglesias cristianas. Sólo tenemos que ver los religiosos escenarios de grupos como Ghost, Sunn O))) o Hell. Muchos se espantan al acercarse a un concierto de rock porque, al igual que en una iglesia cristiana, su intención es también que sea una experiencia exclusiva de un grupo de personas. Si no te gusta lo que los demás hacen en un concierto de rock ¡estás más que invitado a no volver! El rock no es como la música pop, electrónica o clásica. El rock requiere de su audiencia una forma de vida, un compromiso sin el cual molestas a los demás. El rock y la iglesia protegen la comunión de sus miembros con una pasión muy similar, a pesar de todo lo que se han reprochado el uno al otro a lo largo de la historia.

Artículo escrito por Pablo Fernández en Barcelona el 19 de Enero de 2021 ·.·★ Lectura de 30 minutos o 5911 palabras.


Los tres hermanos Young, fundadores del hoy multimillonario grupo AC/DC, eran originalmente jóvenes emprendedores con una mentalidad marcadamente empresarial. Su inspiración artística bebía sin embargo directamente de músicos de blues, que a su vez bebían directamente de las iglesias afroamericanas de principios del Siglo XX. No es casualidad que contrataran a Bon Scott como vocalista en 1974. Bon Scott tenía un talento enorme pero también con veintiocho años un historial delictivo a la altura de lo que se espera de un músico de blues a las sesenta. Se esforzaba y llevaba su libreta con apuntes para las canciones a todos lados pero a veces sencillamente desaparecía durante varios días.

¡Obertura! La liturgia cristiana en la historia del rock

Cuando AC/DC se encierra en los céntricos estudios de Albert en Sydney para grabar lo que será “Let There Be Rock” (1977) los músicos están hundidos y al borde de acabar con una carrera que apenas había durado tres discos. Las dulces y agradables canciones de Chicago, Eagles o Fleetwood Mac que dominaban entonces las listas de éxito en todo el mundo, estaban a años luz de lo que ellos querían hacer. Los titulares de la prensa mostraban a un ridículo Bon Scott asegurando que pronto ellos ganarían tanto dinero que podría tirarse a la entonces novia de Rod Stewart. Las convocatorias del grupo apenas servían para llenar la mitad de las salas y el colmo había sido la llamada con la que habían sido despedidos por su sello discográfico Atlantic Records.

Tenían apenas una o dos semanas de estudio para grabar un disco que recuperara la confianza de la industria, de la prensa y finalmente de la propia audiencia que ya les había abandonado. Reinventarse no es algo fácil y el camino que tomó el grupo fue precisamente el más difícil de todos. Preocupados, indignados y enfurecidos lo que hicieron fue embrutecer todavía más su sonido y actitud alejándose todavía más de la referencia que les habían dado. La canción que da título al disco, es hasta el día de hoy la canción con la que cierran todos sus conciertos. “Let There Be Rock” es en realidad la obertura de un sermón, donde el predicador prescinde prácticamente de toda ayuda de los músicos para explicar cuál es el fundamento de todas las cosas:

En el principio, volviendo a 1955.
El hombre no conocía el espectáculo del rock n roll y toda esa movida.
Los blancos tenían a Schmatz, los negros tenían el blues.
Nadie sabía lo que iban a hacer, pero Tchaikovsky lo anunció diciendo:

Que sea hecho el sonido, y el sonido fue hecho.
Que sea hecha la luz, y la luz fue hecha.
Que sea hecha la percusión, la percusión fue hecha.
Que sea hecha la guitarra, la guitarra fue hecha.
Oh, ¡qué sea hecho el rock!

Que sea hecho el rock... ¡Y el rock fue hecho!

Angus Young de AC/DC se agitaba y convulsionaba en los estudios tal y como lo hacían los negros en las iglesias pentecostales. Durante las grabaciones, como tomado por el poder del espíritu, Angus Young agitaba sus piernas, escalaba los amplificadores y se arrastraba en círculos por el suelo, para escándalo también de los ingenieros de sonido que apenas tenían tiempo de hacer segundas tomas. Las tomas tampoco se interrumpieron cuando uno de los amplificadores se rompió debido al extremadamente alto volumen.

Lo importante no era seguir un patrón específico sino tener una experiencia sobrecogedoramente genuina - que es justo lo que sostenían este tipo de iglesias afroamericanas. El vídeo oficial los muestra a ellos con horribles disfraces tocando y cantando en The Kirk, la iglesia que puedes alquilar para todo tipo de eventos en Cleveland St. de Surry Hills en New South Wales. La producción y la interpretación es bastante ridícula - al menos si se la compara con otras actuaciones de esa misma época como la del Apollo Theatre de Glasgow en Abril de 1978.

Poco después de aquello y poco antes de que murise en un accidente de coche, un periodista preguntó a Bon Scott si se consideraba una estrella. Bon Scott desplegó su contagiosa sonrisa y aseguró que las estrellas están en el cielo y fueron creadas por Dios. La historia del rock tiene infinidad de ejemplos similares al de AC/DC. John Lord tocaba el órgano de iglesia desde 1968 en Deep Purple y Led Zeppelin acababa de versionar al predicador y bluesman Blind Willie Johnson grabando “It ′s Nobody ′s Fault but Mine” (1976).

Tony Iommi ha declarado reciéntemente a la revista Mojo que todos los miembros de Black Sabbath creían entonces que un quinto miembro espiritual del grupo les vigilaba, guiaba y protegía especialmente cuando estaban juntos. Muchos músicos como Ozzy Osbourne, Dave Coverdale o Ronnie James Dio se inspiraban en la liturgia cristiana entonces y todavía lo hacen hoy con especial pasión músicos como Rob Halford de Judas Priest. Los británicos Def Leppard utilizaban el clásico himno cristiano “Rock of Ages” (Augustus Toplady, 1763) para darle título a su disco de 1983 y abrían su disco más vendido, titulado “Hysteria” en 1987, con la siguiente estrofa:

En el principio, Dios creó la tierra.
Entonces hizo el mar y las criaturas.
Luego hizo al hombre.

Nació con una pasión, el amor y el odio.
Un espíritu insatisfecho con la necesidad de una pareja.
Pero había algo que faltaba, algo perdido.

La lista que vamos a compartir a continuación está naturalmente incompleta. Es sólo un ejercicio de entrenamiento, que podrá servir o no en el futuro dependiendo de muchos factores empezando por si es o no es la voluntad de Altísimo. Todas estas canciones de rock duro o heavy metal son versiones de himnos clásicos cantados primero en la iglesia y ordenadas de forma que sus versiones más recientes aparecerán primero. ¿Quieres escuchar las canciones? Hemos creado esta playlist de Youtube. ¿Crees que falta alguna? Usa el formulario del final para decirnos por qué.

"This little light of mine" (Harry Dixon Loes, 1920) versionado por Nina Llopis de The Lead para "Go be do: Nina means grace" (2020)

Nina Fatow Llopis nació el 31 de julio de 1956 en la ciudad de New York y había terminado sus estudios de Art & Design en University of Miami el 11 de septiembre de 1984. Ella estaba más interesada en el rock gótico pero tocó el bajo por primera vez con Julio Rey y Robbie Christie en uno de los ensayos del grupo de hardcore The Lead. Actuó estando con ellos en salas de renombre como Cameo Theatre o CBGB con grupos radicales del momento como Suicidal Tendencies, DRI o MDC hasta 1991, que es cuando ella se enfoca en bandas sonoras y canciones de iglesia. Durante el 2020 ha publicado online infinidad de bellas canciones oscuras en línea de lo que ya habían hecho Micheal Knott de Lifesavers Underground o Michael J. Pritzl de The Violet Burning donde la adoración a Dios tiene especial protagonismo en virtud de la decadencia de sus intérpretes y con la excelente producción de grupos como Dashboard Confessional, Further Seems Forever o Underoath. “This little light of mine” es una excepción ya que ella no es la autora de la canción. El evengelista Harry Dixon Loes escribió esta canción para niños que pasó al himnario “Songs of Redemption” en 1920 y ha sido utilizada a menudo como canción protesta por músicos como Bruce Springsteen.

“Hark! The Herald Angels Sing” (Charles Wesley, 1739) versionado por Rob Halford para “Celestial” en 2019

Rob Halford de Judas Priest temía por su vida cuando empezó su rehabilitación en 1986. Asegura que ha conseguido estar sobrio desde entonces gracias a que recuperó, de su educación en un hogar cristiano, la oración constante y la creencia en un poder superior, una persona a la que convierte en protagonista de muchas de sus canciones. Ha grabado de hecho multitud de himnos cristianos clásicos en discos como "Halford III: Winter Songs" (2009), "Halford IV: Made of Metal" (2010) o "Celestial" (2019) pero también ha compuesto sus propias abrasivas letras como “Get Into The Spirit”, con las que tiene el propósito de luchar contra el mal que parece reinar en nuestro mundo. Vamos a tratar de evitar los himnos vinculados a la celebración de la Navidad porque son muchos y la lista daría una impresión falsa de nuestra intención original; no obstante “Hark! The Herald Angels Sing” (Charles Wesley, 1739) versionado por Rob Halford para “Celestial” en 2019 es una excepción.

“Pie Jesu” (Thomas of Celano, 1200) versionado por la soprano Tarja Turunen de Nightwish para “Spirits And Ghosts” en 2017

Grupos como Estampie o Al Andaluz Project son proyectos de músicos de la escena del heavy metal reconvertidos en el estudio y recuperación de la música medieval y sefardí. "Pie Jesu" en particular es la última parte del poema "Dies Irae" y dice en latín algo así: "Misericordioso Señor Jesús, dales descanso". Su autoría podría remontarse al Siglo VII pero su versión más definitiva en forma de medievales cantos gregorianos data del Siglo XIII. A finales del Siglo XV ya aparece en forma de Requiem polifónico y es finalmente incorporado también a la liturgia de iglesias anglicanas y luteranas. Las iglesias luteranas son las más habituales en Finlandia, que es donde nace la soprano Tarja Turunen, del grupo de metal sinfónico Nightwish. "Fui bautizada como luterana”, asegura ella, “y mi madre me enseñó una oración para repetirla siempre antes de ir a dormir, pero realmente no sigo las actividades de la iglesia. Dios es para mi algo muy personal. Últimamente paso más tiempo haciendo actuaciones en iglesias que asistiendo a sus servicios. La acústica las hace lugares ideales para actuar y allí consigues una atmósfera especial cuando haces un espectáculo. Las iglesias están hechas para eventos musicales y son sitios preciosos."

“There is a fountain filled with blood” (William Cowper, 1772) versionada por Wolves at the Gate para “Types & Shadows” en 2016

El poeta y compositor romántico William Cowper pertenecía a una gran familia de ilustres rectores y poetas. Él escribió el himno “There is a fountain filled with blood” en 1772 durante uno de sus muchos períodos de depresión. Los ingleses lo llamaban melancolía en aquella época, pero lo cierto es que en el caso de William Cowper estas crisis desembocaron en intento de suicidio en tres ocasiones. El himno se abre con un verso que se podría traducir: “Hay una fuente llena de sangre / Que procede de las venas del que es Señor con nosotros; / Y los pecadores, cubiertos bajo tal diluvio, / Pierden todas sus culpables manchas / Pierden todas sus culpables manchas / Pierden todas sus culpables manchas / Y los pecadores, cubiertos bajo tal diluvio, / Pierden todas sus culpables manchas”. El himno lo versionó en 2016 el joven grupo americano Wolves at the Gate, que pertenece a un movimiento de grupos de metalcore especialmente inclinados a tratar temas bíblicos de una forma especialmente explícita. Un tema realmente interesante que merece toda nuestra atención en un artículo aparte.

“O Holy Night” (Adolphe Adam, 1844) versionado por Becoming the Archetype para “Midnight Clear” en 2014

El francés Placide Cappeau estudió derecho pero acabó vendiendo vinos y licores en el negocio de su padre. Su tiempo libre lo dedicaba a escribir poesía y una de ellas con el tiempo atrajo al compositor de óperas y ballets Adolphe Adam. Adolphe buscaba entonces un texto para la música que finalmente se dará a conocer como “Minuit, chrétiens!” (1844): “Oh noche santa / Las estrellas brillan intensamente / Es la noche del nacimiento de nuestro querido salvador / Largamente el mundo había suspirado en pecado y error / Hasta que él apareció y las almas sintieron que había merecido la pena”. La canción hoy se conoce en todo el mundo como "O Holy Night" y fue versionada por los jóvenes músicos del grupo de metal progresivo Becoming The Archetype en 2011. El resultado es sencillamente sobrecogedor y Solid State Records la incluyó naturalmente en uno de los recopilatorios más interesantes de todos los tiempos titulado “Midnight Clear” (2014).

Amazing Grace” (John Newton, 1779) versionado por el grupo independiente My Enemyz Blood para Youtube en 2014

Gilbert Chase, historiador especializado en música, asegura que “Amazing Grace” es el más popular de todos los himnos populares y se han grabado miles de versiones. John Newton, su autor, no había mostrado ningún interés en la religión hasta el día en el que, mientras traficaba con esclavos, estuvo a punto sufrir un naufragio. El peso de la culpa que sentía y el descanso que parece encontrar en el perdón, han sido claves con las que muchos se han identificado con esta canción desde su publicación en 1779: “Gracia asombrosa, qué dulce el sonido / ¡Que a un desgraciado como yo salvó! / Estuve perdido pero ahora he sido encontrado / Estaba ciego, pero ahora puedo ver.” La versión del himno que hemos elegido es de un grupo que no tiene el apoyo de una discográfica. El sonido de la versión de este grupo independiente llamado My Enemyz Blood no es perfecto y sin embargo tiene todos los elementos que la convierten en una versión digna de figurar entre las más originales de esta lista. Como una sorpresa para el final el grupo incorpora además al gaitero Casey Kendel.

“På En Avlägsen Höjd” (George Bennard, 1912) versionado por Ulf Christiansson de Jerusalem para “Mer, Mera Av Jesus” en 2012

Ulf Christiansson sigue siendo todavía el mejor vocalista de rock de Suecia según la revista Sweden Rock. No es poco teniendo en cuenta que Suecia es junto a Finlandia, el país con mayor concentración de grupos de heavy metal del planeta Tierra. Ha grabado bajo el nombre de Jerusalem desde 1978, pero también paralelamente con su propio nombre desde 1982. Ulf Christiansson no tuvo una infancia marcada por las costumbres de la iglesia pero desde su conversión al cristianismo y a medida que se hacía mayor ha grabado más versiones de himnos clásicos, hasta el punto de que algunos de sus últimos trabajos de estudio como “Mer, Mera av Jesus” (2012) están exclusivamente dedicados a este objetivo. “På En Avlägsen Höjd” es la traducción del original "The Old Rugged Cross", conocido en castellano como "En El Monte Calvario". El pastor George Bennard compuso este himno en 1912 y recibió una gran acogida en las campañas evangelistas en zonas rurales de los Estados Unidos de América, de tal forma que hoy forma parte del imaginario del país como demuestra por ejemplo el guiño que se le hace en la serie Doctor Who.

“Sing, Hallelujah” (Linda Stassen-Benjamin, 1974) fue versionada en directo durante años por Joshua Periah y grabada finalmente en estudio para “Resurrection” en 2012

Linda Stassen-Benjamin estaba preparando un ejercicio para sus clases de composición en la iglesia de Calvary Chapel Costa Mesa en 1974 cuando empezó el desarrollo de la canción “Sing Hallelujah”. La canción se hizo especialmente conocida primero gracias a la distribución de la discográfica Maranatha! Music pero también finalmente gracias a su uso durante las manifestaciones de Hong Kong en 2019. Mucho antes de estas manifestaciones Joshua Peraiah recibía el premio al mejor guitarrista del año de la revista inglesa Kerrang en 1982 y conocía el evangelio en la casa del predicador Hal Lindsey. Joshua interpretaba la canción “Sing Hallelujah” solamente en directo hasta que finalmente la graba en su disco “Resurrection” (2012). Joshua Peraiah también ha colaborado en la primera de las grabaciones de Sanctuary Praise en 1991, donde se distribuían por primera vez algunas de las canciones preferidas en esta comunidad cristiana de aficionados al heavy metal que se reunía en San Diego. La versión que compartimos a continuación es la grabación en video de un ensayo de 1988 con otro muy bien considerado profesional de la ciudad llamado Rob Rock. El vocalista Rob Rock acababa entonces de tener una conversión al cristianismo, coincidiendo según él con la depresión que había sufrido al perder a Tony MacAlpine, Rudy Sarzo y Tommy Aldridge - los músicos que sirvieron a otros como Dave Coverdale a lograr muchos otros éxitos en 1987 con el nombre de Whitesnake.

“Heyr, Himna Smiður” (Kolbeinn Tumason, 1208) versionada por Eivor Palsdottir para “Frostrósir: Heyr Himnasmiður” en 2008

La canción más antigua que se conserva en los países nórdicos es precisamente este himno cristiano que compuso el islandés Kolbeinn Tumason alrededor del 1208 y hoy se considera en este país una especie de himno nacional. Kolbeinn Tumason era una persona educada y religiosa del poderoso clan Ásbirnings, una familia de políticos y guerreros que dominaría aquellas tierras hasta el 1248. Kolbeinn Tumason mantuvo durante un tiempo buena relación con el obispo Guðmundur Arason. Más adelante, sin embargo, le acusó de deberle dinero y siendo incapaz de resolver sus diferencias, se enfrentó a él en la batalla Víðinesbardagi, donde perdió su vida. No está claro si escribió el poema poco antes o poco después de la batalla pero la primera estrofa muestra ya una especial necesidad de ayuda: “Escucha, herrero de los cielos / El poeta busca. / En tu pequeña y apacible voz / ¿Puedes mostrar gracia? / Mientras te invoco, / Tú, mi creador. / Soy tu siervo / Tú eres mi verdadero señor”. Eivor Palsdottir nació en 1983 en una pequeña isla entre Islandia y Noruega llamada Faroese. La mayor parte de su música es sobrecogedora, está en su idioma nativo y rescata formas que estaban a punto de ser olvidadas para siempre, lo que automáticamente la ha convertido en una referencia imprescindible en todo el movimiento de folk metal nórdico en particular y del world music en general.

"Laulu Suomelle" (Lasse Heikkilä, 1999) versionada por Scandinavian Metal Praise para “Scandinavian Metal Praise” en 2008

El proyecto Scandinavian Metal Praise es un colectivo y una iniciativa que promueve la música propia de la iglesia en clave de metal progresivo con voces femeninas, pero mantiene en secreto los nombres de los músicos que están detrás. Las pocas pistas que tenemos apuntan a músicos de diferentes grupos finlandeses del entorno del sello Bullroser Records como HB, Oratorio o Mehida donde han trabajado músicos de grupos de la categoría de Sonata Arctica, Therion o Candlemass. Leif Edling, el fundador de Candlemass, también sorprendía recientemente a su audiencia con una canción titulada “In My Time of Dying”, para su singular grupo de doom con voz femenina llamado Avatarium: "Cuando muera, no quiero que nadie llore / Todo lo que quiero que lleves mi cuerpo a casa / Bueno, bueno, bueno, que pueda morir en paz. / Jesús, voy a preparar mi lecho de muerte / Encuéntrame, Jesús, encuéntrame. Encuéntrame en el aire / Si mis alas me fallan, Señor, encuéntrame otras. / Bueno, bueno, bueno, que pueda morir en paz. / Jesús, quiero hacer las paces. Alguien, alguien / Jesús, quiero hacer las paces. / Jesús, voy a preparar mi lecho de muerte". "Laulu Suomelle" es el único himno de los dos discos de Scandinavian Metal Praise grabados en 2008 y 2015 que está en finlandés y pertenece a Lasse Heikkilä del grupo Gospel Power, compositor de himnos contemporáneos, activista y tataranieto de uno de los primeros miembros del parlamento llamado Seth Heikkilä.

"At the cross" (Isaac Watts, 1709) versionado por Glenn Kaiser para "Bound for Glory" en 2006

Hillsong es una corporación multinacional original de Sydney, Australia, que ha creado alrededor de sí misma una factoría imparable de música para la iglesia llamada Hillsong Worship. La prensa ha tomado ya buena nota de su éxito enfocándose en los aspectos más estéticos y superficiales de la vida comunitaria, pero por supuesto no es ese el enfoque de todas las iglesias. Glenn Kaiser del grupo Resurrection Band por ejemplo es pastor en una comunidad muy activa en la ciudad de Chicago llamada JPUSA, un grupo de creyentes que se ha caracterizado precisamente por destacar los peligros de la uniformidad de la globalización y el enorme valor de la diversidad dentro y fuera de la comunidad. Glenn Kaiser ha pasado toda su vida tocando hard rock pero con la edad, como le pasó también a Gary Moore, se ha rendido al blues y en solitario graba a menudo canciones de iglesia antiguas como “Go Tell It On The Mountain” y también modernas como "I Wish I Was In Heaven Sitting Down" de R.L. Burnside. La que hemos elegido para esta lista es la versión de “At the cross” grabada en “Bound for Glory” (2006). La escribió otro ministro inconformista llamado Isaac Watts en Inglaterra alrededor de 1709. La influencia de los poemas que escribió Isaac Watts fue de hecho tan grande que no en vano han dejado su huella en la obra de escritores como W. S. Gilbert, Lewis Carroll o Charles Dickens.

“Canon in D” (Johann Pachelbel, 1680) versionado por Jacob’s Dream para “Drama of the Ages” en 2005

“Jacob ′s Dream” es el título de uno de los himnos del poeta y activista americano Fanny Crosby. El himno ha dado nombre a su vez a uno de los grupos de power metal más interesantes y virtuosos del catálogo de Metal Blade Records. Este grupo difícilmente puede considerarse un grupo cristiano pero escondido al final de “Drama of the Ages” (2005) y sin título o crédito alguno se encuentra esta versión del “Canon in D” que Johan Pachelbel compuso en 1680. El organista alemán Johan Pachelbel era amigo del padre de Johan Sebastian Bach y uno de los más importantes músicos del barroco. Su padre era vendedor de vino pero gracias en parte a su carácter ambicioso llegó a conseguir el cargo de músico-organista en la corte de Württemberg en Stuttgart. Ejercía como organista en un buen número de iglesias y compuso muchas obras de entre las cuales podría destacarse su famoso canon para las bodas. Durante un tiempo el barroco perdió su credibilidad y con él Johan Pachelbel perdió también la suya, pero el periódico The Telegraph le ha llegado a identificar recientemente como el “Padrino del Pop”.

"Jesus, I My Cross Have Taken" (Henry Francis Lyte, 1825) versionado por Billy Corgan de The Smashing Pumpkins y Zwan en "Mary Star Of The Sea" (2003)

William Patrick Corgan nació en Chicago el 17 de marzo de 1967 en el entorno de una familia de origen irlandés. Su madre se desentendió de él cuando tenía tres años y asegura que su madrastra abusó de él física y psicológicamente, al mismo tiempo que le daba una educación católica hasta los ocho años. Su padre era músico y le dijo con seis años que Dios no existía y que eso lo prueba el mal que hay en el mundo. De hecho su padre hacía trapicheos con las drogas y le abandonó también dejándole enteramente al cuidado de su temida madrastra. Su disco "Mellon Collie and the Infinite Sadness" (1995) debutó en el número uno de los US Billboard y puso en las pistas de baile de todo el mundo su famosa frase “Dios está vacío, exactamente igual que yo”. Esa famosa frase expresada con toda la rabia que había aprendido de Jimi Hendrix, Black Sabbath o Van Halen dio a muchos una falsa impresión de su relación con la fe. El malentendido lo corrigió grabando en 2003 esta versión de un himno clásico "Jesus, I My Cross Have Taken", escrito por el clérigo anglicano y escocés Henry Francis Lyte en 1825.

“Jesus kom til jorden for å dø” (Arnold Børud, 1978) versionada por Extol para “Burial” en 1999

El noruego Arnold Børud tuvo una conversión al cristianismo en 1965 y fue una figura clave introduciendo la música popular en las iglesias evangélicas de Noruega. Ha recibido varios premios e incluso la medalla King ′s Medal of Merit del Gobierno de Noruega. Los jóvenes noruegos no tenían especial aprecio al cristianismo en la década de 1990. Músicos como Øystein "Euronymous" Aarseth de Mayhem rescataban entonces la memoria del panteón de dioses vikingos y utilizaban la quema de iglesias para popularizar el black metal. Claro que como toda norma, esta tenía también su excepción. El grupo noruego Extol fue la más respetable de todas las excepciones del metal noruego y se dedicó desde 1993 a componer canciones sobre Jesús como un Dios. Durante la grabación de su disco “Burial” (1998) arreglaron “Jesus kom til jorden for å dø”, una de las primeras canciones de Arnold Børud, para que pareciese un himno de viking metal e invitaron al autor a tocar el órgano con ellos.

“Goin Up Yonder” (Walter Hawkins, 1976) versionada por Olivia McClurkin y John Elefante para “Rock Power Praise ‎– Volume III Traditional Gospel Hymns” en 1992

Walter dejó la carrera como estrella del gospel que había empezado con su hermano Edwin Hawkins para fundar en la década de 1970 el Love Center Church en Oakland, California. “Goin Up Yonder” es una de las canciones que escribió entonces y que pasaron a formar parte de los himnarios que fueron luego revisados para las famosas producciones de Pakaderm Records. John Elefante tuvo que competir con otros doscientos aspirantes para convertirse en el vocalista que sustituyó a Steve Walsh de Kansas en 1982 y se dedicó con su hermano, el productor Dino Elefante, a grabar cuatro álbumes de versiones de himnos clásicos con el nombre de Rock Power Praise & Portrait of a Spirit en 1990, 1991 y 1992. El primer volumen está marcado por el habitual y potente sonido heavy metal de la época y cuenta con vocalistas invitados de la talla de Mike Lee, Jamie Rowe o el propio John Elefante. La tercera entrega, sin embargo, está marcada por un sonido francamente insólito y original mezclando parte de ese sonido de rock duro con el soul de las voces negras de la talla de Olivia McClurkin, Voncielle Faggett o Rose Stone de Sly & The Family Stone.

“A Mighty Fortress is Our God” (Martin Luther, 1529) versionado por Sara Tennison y John Elefante para “Rock Power Praise ‎- Volume I - The Hymns” en 1990

Martín Lutero es más conocido por protagonizar la Reforma Protestante del Siglo XVI que por sus canciones; pero eso no quita que, como buen alemán, le gustara también la buena cerveza y las festivas canciones populares. El día que escribió “A mighty fortress is Our God”, el reformador en realidad no debía estar para fiestas. Lo que en un principio parecía una comprensible protesta contra la corrupción de la iglesia a la que representaba, le había llevado a estar preso esperando ser juzgado por las autoridades del imperio de Carlos V en abril de 1521: “Fortaleza poderosa es nuestro Dios / baluarte que nunca falla / Él nuestro ayudante en medio del diluvio / y males mortales que no prevalecerán”. Carlos V y su Dieta de Worms pasaron pero no así esta cancioncilla de fácil aprendizaje y esperanza firme, que se canta todavía hoy en muchas iglesias en todo el mundo y que fue recogida también por los hermanos Elefante en 1990. La prodigiosa voz de Sara Tennison no volverá a grabarse oficialmente desde 1995, pero su voz no tenía nada que envidiar a otras que le debieron inspirar como Wendy Kaiser de Resurrection Band, Nancy Jo Mann de Barnabas o Lisa Faxon de Ramson. La australiana Rosanna Palmer de Rosanna′s Raiders en particular sigue grabando infinidad de canciones para la iglesia incluidas en una serie titulada "Rock Praise". El virtuoso guitarrista P.K. Mitchell grabó “All Hail the Power The Rock Hymns Project” (1994) usando lo que era entonces un sonido más moderno pero que perdía el elemento colaborativo tan propio de la música de iglesia que sí tenían los proyectos de John Elefante.

“Holy, Holy, Holy” (Reginald Heber, 1861) versionado por Sacred Warrior para “Master’s Command” en 1989

Reginald Heber había nacido en Cheshire en 1783 y ya tenía varios premios de poesía cuando estudiaba en la Universidad de Oxford. Pasó varios años viajando por Suecia, Rusia o Italia antes de aceptar el cargo de rector en la Iglesia de Hodnet. Murió en uno de sus muchos viajes esta vez por la India y desde entonces no se han dejado de cantar los cerca de sesenta himnos que escribió de entre los cuales quizás el más famoso es “Holy Holy Holy, Lord God Almighty”. Bruce Swift es uno de sus más conocidos admiradores. Swift sufrió una conversión al cristianismo alrededor de 1986 en la ciudad de Chicago y arrastró consigo a muchos del entorno de su banda como Rey Parra, Tony Valesquez y Rick Macias. Nomad era el nombre del grupo de heavy metal que los unía y que con el tiempo se acabaría conociendo como Sacred Warrior. “Holy, Holy, Holy” es precisamente la canción con la que el grupo cerraba siempre sus actuaciones debido, según asegura Swift, al impacto emocional que la canción causaba en su audiencia.

“King of Kings” (Naomi Batya Ginsberg y Sophie Conty, 1974) versionada por Petra para “Petra Praise: The Rock Cries Out” en 1989

Esta versión no debe confundirse con la canción del grupo Manowar “King of Kings” (2005). Manowar atribuye ese título de realeza a los dioses del trueno. “Rey de reyes”, de hecho, es un título que muchos monarcas de Oriente Medio reclamaban para sí mismos en la antigüedad. El primer registro que se conserva es del rey sumerio Tukulti-Ninurta I (1243–1207 a.C.) e incluso Artajerjes o Nabucodonosor lo hacen suyo en el relato bíblico. Naomi Batya Ginsberg vive ahora en el Bronx donde se hace llamar Nomi Yah pero cuando compuso esta canción tenía trece años y vivía con su madre en California, que es cuando compuso con su amiga Sophie Conty esta canción “Kings of Kings”. La música es una melodía popular judía y la letra es una muy sencilla sucesión de títulos como “rey de reyes” o “señor de señores” que recibe Jesús de sus discípulos ya en el Nuevo Testamento. La discográfica de la comunidad hippie de Calvary Chapel Costa Mesa lo registró, publicó y popularizó en todo el mundo por primera vez en 1980 y el grupo de rock cristiano Petra lo elevó a la categoría de rock duro en 1989. Era la primera de una serie de recopilaciones de canciones de iglesia titulado “Petra Praise: The Rock Cries Out”, que tuvo tal éxito que se certificó Disco de Oro el 23 de enero de 1998 y de la que grabaron también una versión en castellano con marcado acento americano titulada “En alabanza” (1992).

“Battle hymn of the Republic” (Julia Ward Howe, 1861) versionado por Stryper para “Soldiers Under Command” en 1985

El disco de Stryper titulado “Soldiers Under Command” también es Disco de Oro. Stryper tiene una fama que le precede y una legión de aficionados que produce en otra parte de la población justo el sentimiento opuesto. Vivimos en un mundo polarizado, no muy diferente del que conocía Julia Ward Howe. Julia nació en la ciudad de New York en 1819. Su padre era calvinista y agente de bolsa en Wall Street. Su madre murió cuando ella tenía cinco años pero heredó de ella la pasión por la poesía y la acción social que puso al servicio de la abolición de la esclavitud y la defensa de los derechos de las mujeres. Escribió el texto de “Battle hymn of the Republic” cuando viajaba a Washington para entrevistarse con Abraham Lincoln en 1861 y se convirtió automáticamente en una de las canciones más populares de la Unión durante la Guerra Civil Americana: “Mis ojos han visto la gloria de la venida del Señor / Él pisa la vendimia donde se recogieron las uvas de la ira / Él ha desatado el fatídico relámpago de su terrible y rápida espada / Su verdad avanza / ¡Gloria! ¡Gloria! ¡Aleluya! / ¡Gloria! ¡Gloria! ¡Aleluya! / ¡Gloria! ¡Gloria! ¡Aleluya! / Su verdad avanza"

“Jesus loves me” (Anna Bartlett Warner, 1859) versionada por el grupo 100% Proof para “Power and the Glory” en 1983

Anna Bartlett Warner nació en Long Island, New York sólo ocho años después del nacimiento de Julia Ward Howe. Escribió novelas como “Wych Hazel” (1853), “Mr. Rutherford′s Children” (1855) o “The Hills of the Shatemuc” (1856) pero también muchas canciones para niños como esta de “Jesus loves me” (1859). El grupo británico de heavy metal llamado 100% Proof versionó este clásico en 1983, dos años antes de que Stryper versionara el suyo, por lo que podría considerarse el primer himno clásico versionado en clave de rock duro. Sería incorrecto, claro. El grupo sueco Jerusalem había grabado en 1981, al final de su canción "Sodom", la melodía del famoso himno titulado en castellano como "Oh santísimo, felicisimo" del polaco Johannes D. Falk en 1816. “Jesús me ama, el que murió / La puerta del cielo se abrirá de par en par / Él lavará mi pecado / Deja que su pequeño hijo entre / Sí, Jesús me ama / Sí, Jesús me ama / Sí, Jesús me ama / La Biblia así lo dice”.

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Esta es la versión resumida del artículo Los 20 mejores himnos clásicos versionados por músicos de rock


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